La dramaturgia del clown es un estudio sobre la teoría y la técnica necesarias para la construcción de un número o espectáculo de clown, a partir de la experiencia de Hernán Gené, quien cuenta con más de 40 años como actor, director y dramaturgo de espectáculos de clown. El libro se complementa con ejemplos de textos dramáticos, puestas en escena y películas del género.

Recopilación de ejercicios y reflexiones expuestos por el actor, director teatral y pedagogo Mijaíl Chéjov en un taller impartido en el teatro estatal de Lituania en 1932, en el que compartió su experiencia y enseñanza para la preparación de actores.

La edición incluye dos artículos de la pedagoga María Knébel, quien fue compañera de Chéjov en el Teatro de Arte de Moscú.

Junto a los estudios de Ubersfeld, Pavis, De Marinis y Helbo, el de Fernando de Toro forma parte del edificio epistemológico que se llamó semiología teatral. 

En esta edición depurada de Semiótica del teatro, De Toro maneja con solvencia temas como el discurso teatral y el texto dramático/espectacular; propone un modelo para historiar el teatro y habla profusamente de la transición a la posmodernidad; se muestra imperturbable ante el derrumbe del edificio estructuralista y finalmente elabora categorías heurísticas para comprender el texto teatral posmoderno.

Con la intención de indagar sobre las potencialidades poéticas de los objetos en escena, la autora —doctora en Artes Escénicas por la Universidad Autónoma de Barcelona y directora de Microscopía Teatro, grupo de escena con objetos— enfoca su investigación en cómo la vitalidad objetual impacta en ciertos procesos escénicos que trabajan con objetos. Una investigación única sobre este ámbito en el contexto iberoamericano.

Este libro tiene como origen un seminario también titulado “Del Bios escénico a la poética del bailarín/actor”, impartido por Patricia Cardona en Medellín, Colombia, en 2020, pero va más allá de él gracias a la vinculación a partir de ese evento con la novedosa e interesante metodología de experimentación corporal para la creación de Carlos Ramírez, conocida como El cuerpo que crea y desarrollada por este artista escénico colombiano a partir de las propuestas teóricas de Patricia Cardona.

En dicho seminario, al igual que en este libro, la autora entrelaza las tres líneas de investigación a las que ha dedicado su carrera como investigadora y crítica: la dramaturgia del bailarín, la percepción del espectador y la poética de la enseñanza, y ahora integra a ese corpus en estas páginas la metodología de experimentación corporal de Carlos Ramírez.

El drama intempestivo es una reflexión sobre el desafío que supone escribir teatro en la actualidad, una mirada sobre las condiciones y las categorías de lo contemporáneo y también es una defensa de la vigencia de la literatura dramática en un mundo perplejo en el que la historia, el sujeto y la representación andan en la cuerda floja. Un mundo en el que la necesidad de autenticidad —la pulsión por lo real— y la reivindicación de la ficción conviven y se confrontan constantemente.

Finalmente, sin ser un manual de escritura o un estudio sobre el teatro actual, presenta procedimientos y tendencias inspiradores.

El arte como vía de transformación social para generar comunidad y pertenencia tiene en el teatro comunitario una singular herramienta y la posibilidad de un espacio tanto reflexivo como metafórico para el análisis de la realidad. En este sentido, Teatro comunitario de Jorge Holovatuck constituye una incitación tanto para aquellos que ya hacen teatro comunitario —para volver a pensar juntos posibles variantes y reformulaciones que haga falta experimentar aún— como para quienes se inician en la labor, para darles motivos, ideas, conceptos y herramientas accesibles y concretas para comenzar a andar este camino.

Ante la sentencia comúnmente enunciada de que “se aprende a dirigir dirigiendo”, Hannah Finkel se pregunta: “pero ¿qué es dirigir?, ¿qué es lo que hago cuando digo que estoy dirigiendo?”. A explorar las respuestas a estas preguntas está dedicado este libro, en el que el lector encontrará una serie de ejercicios que, realizados con base en un montaje, pueden servir, en el aula o en un laboratorio teatral, para reconocer los elementos de un proceso de dirección escénica.

La autora es actriz y directora escénica, con maestría en Artes por la Universidad Autónoma de Baja California. Ha participado en diversos proyectos teatrales como directora teatral dentro y fuera de México. Actualmente se desarrolla profesionalmente en Jerusalén. Fundadora del laboratorio teatral The World of Action Theatre en Israel.

El arte de ser payaso reúne, desde la experiencia del autor, una serie de herramientas y ejercicios para conocer y practicar el oficio del payaso. 

Con el material que incluye este libro, Gené guía al lector durante todo el proceso, desde la explicación sobre qué es un clown hasta el primer montaje, un camino de experimentación y descubrimientos que llevará al interesado a revelar su propio clown.

Se trata, pues, de un taller valioso para principiantes y profesionales, interesados y curiosos. Así que, como se menciona al cierre del prólogo, "si este libro ayuda a que aumenten las mujeres y los hombres que eligen la risa como oficio, sea muy requetebienvenido". 

En esta compilación hecha por Jaime Chabaud, se presenta una muestra de la producción dramática actual en México. En este primer tomo —de dos— se incluyen las obras de diez jóvenes autores que, al cierre de la edición, no rebasaban los 35 años de edad: Ángel Hernández, Hugo Wirth, Nora Coss, Alejandro Ricaño, David Gaitán, Diego Álvarez Robledo, Sara Pinedo, Javier Márquez, Josué Almanza y Bárbara Perrín Rivemar.

“Telar de poéticas. Del maestro creador al estudiante creador es una ventana —dice Omar Carrum en su Prólogo al libro— que te permite ser testigo de las conversaciones llevadas a cabo en las mesas de reflexión realizadas […] por Patricia Cardona, donde participaron reconocidos artistas, maestros, pensadores y estudiantes para reflexionar en torno al tema de la poética de la enseñanza. Estos diálogos son detonados por preguntas claves planteadas por Patricia y los argumentos se tejen entre sí para confluir en ideas y un manifiesto sobre la poética, el arte y la vida.”

El teatro testimonial es un género que ha cobrado gran interés en nuestro tiempo, pero ¿qué formas le son propias a los relatos teatrales basados en testimonios ya sea de acontecimientos perturbadores, extraordinarios, o cotidianos pero llenos de encanto?, ¿cómo lograr un teatro testimonial que no enmascare lo real ni lo haga un espectáculo, sino que lo revele si es preciso cargado de crudeza, de verdad, pero también de belleza?, ¿qué principios, si los hay, han de caracterizar una poética de lo real en el teatro testimonial que establezca puentes entre lo cotidiano y personal con el contexto histórico y social de forma ética? Estas y otras preguntas encuentran respuesta en este libro.

Acompaña a este manual el unipersonal íntegro Cachorro de león: casi todo sobre mi padre, obra autobiográfica de Conchi León.

Fundador de la carrera de Teatro en la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM, Fernando Wagner escribe este libro movido por el interés en la profesionalización del arte teatral. Ofrece, a decir de Emilio Carballido —quien fue su alumno—, “una base sólida para cualquiera que desee pisar un foro. […] es un gran libro para quienes amamos el teatro”.

En esta obra el autor examina desde lo que llamó “el triángulo de fuerzas” —o factores fundamentales del teatro: el público, el actor y el autor— hasta la estructura y adaptación escénica de una obra y la iluminación, entre otros temas.

¿Qué entendemos cuando hablamos de dramaturgia? ¿Qué es lo que ha cambiado en el teatro contemporáneo? ¿Qué se ha modificado respecto a la tradición que antecedía al teatro de finales del siglo XX y principios del XXI? Éstas y muchas otras cuestiones se analizan en los artículos y ensayos que constituyen este libro de Joseph Danan. A través de esta obra el autor plantea interrogantes en torno a la dramaturgia que son totalmente pertinentes y ofrece respuestas reveladoras

Se trata de una obra en la que actores y directores pueden encontrar reflexiones y herramientas para trabajar un texto que ha de ser dicho en escena, considerando aspectos tan diversos como: el sonido y el significado, los diferentes tipos de textos, la métrica y el ritmo, las estructuras del lenguaje, la energía que ha de imprimirse en su emisión y las imágenes que lo habitan.

Cicely Berry es directora de voz de la Royal Shakespeare Company, y ha impartido cursos y talleres sobre este tema en todo el mundo.

Bordeando Shakespeare reúne nueve obras de autores que intentan articular su experiencia en torno al material shakespeareano, lo que convierte a esta antología en un recorrido por la obra del bardo desde la visión de los autores contemporáneos. Los dramaturgos que conforman esta compilación son Arturo Arango (Cuba), Luis Cano (Argentina), Jaime Chabaud (México), José Manuel Freidel (Colombia), Angélica Liddell (España), David Olguín (México), Marco Antonio de la Parra (Chile), Fabio Rubiano (Colombia) y José Sanchis Sinisterra (España). 

El clown existencial: historia de una poética sobre la condición humana documenta la existencia de una familia de clowns que no encuentra en la risa su principal razón de ser. Muestra una figura que parece perdida en el devenir de las sociedades, y desde ahí observa al mundo, no para juzgarlo, sino para invitarlo a mirar al Otro, a ser compasivo, a reconocer los dolores propios en las heridas ajenas.

Este libro es la primera investigación que aborda este tema con profundidad, rastreando los orígenes de este tipo de clowns desde la Antigüedad, en las comedias de Aristófanes, Menandro y Plauto, así como en las fiestas religiosas medievales, en un recorrido que pasa por algunas obras de William Shakespeare y del Siglo de Oro español.

Se trata de una obra llena de referencias, que abunda en ejemplos y hace un recorrido por diferentes pasajes del teatro occidental a través de personajes cómicos, con lo que aporta a la historia de las artes escénicas una óptica diferente.

“La dramaturgia mexicana actual —señala Alegría Martínez en su presentación— indaga en lo que piensan, sienten y padecen las personas en etapa adolescente […] ¿En qué lenguaje y desde dónde es posible abrir un espacio al diálogo y a la escucha con seres humanos en desarrollo […]? ¿Cómo acercar el universo adolescente a una mayoría de adultos abstraídos en su actividad diaria? ¿Cuáles son las preocupaciones, los miedos, las preguntas, los conflictos que arrebatan la tranquilidad de las y los jóvenes?”

Esta antología recoge las siguientes obras: El intruso, de Amaranta Leyva; Chalán, de Antonio Zúñiga; Venado, de Hasam Díaz; Transgresión, de Jaime Chabaud; MW, la vaca que baila tap, de Jimena Eme Vázquez; Humanos no, de Luis Eduardo Yee; Corazón gordito, de Saúl Enríquez; Bolita, por favor, de Valentina Sierra, y Rol, de Xavier Villanova.